水晶芭蕾舞视频教程

学芭蕾舞儿童什么时间开始学。

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芭蕾舞蹈学校教程 芭蕾舞培训视频教程

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希望对你有帮助

绷脚背儿有利于大腿肌肉的收紧，瘦大腿(勾脚容易瘦小腿)。所以，压腿要伸直了膝盖、绷紧了脚背再压，不论腿在前还是旁还是后面。

前腿：压腿时要注意腿部关节的直立。背要直立着以腹部带力压前腿，尽可能让腹部贴腿，而肩还和腿有一点距离为好!特别是刚开始练的时候，不要把头埋下去，让下巴去找脚背儿。

芭蕾舞教学之旁腿：

在压旁腿时，同侧的手扶住把杆，另一只手臂紧贴在耳边，向腿上靠近并尽量向远处伸展，拉长旁腰。弯曲的一侧肩膀不要跑到旁腿后面!一定要用背去找腿!脸要向上看。哪怕次甚至几年后三位手握不住旁腿也千万不要急功近利地把肩膀搭到腿上或者腿后。髋关节不要太往回缩(容易发生坐髋，将发展为大)，也不要太往远伸，否则控制不稳。当然，为了拉伸韧带而横着远伸的除外。其实侧压腿在地面上做比较容易

芭蕾舞教学之后腿：

搭在后的腿务必要伸直、外开!!也就是说不要脚背直冲下方!两个肩关节、两个髋关节要在一个平面上!!腰要拔直拉长了向后压，放在三位的胳膊要先行。然后可以弯主力腿下蹲，此时明显感觉到筋有抻拉感，但可以忍受。这就对啦!耗一会儿!如果只想练下叉的话可以不用怎么练后腿。

刚开始时韧带太紧，在压腿的过程中不要苛求一2、Tendu：脚尖向外滑动。脚尖保持在地面上，脚后跟离开地面，随着腿部滑动。定要压下去，保持正确的姿态，日积月累就可以拉长韧带，特别注意的是胯部要端正。压旁腿和后腿的时候最容易出胯和斜胯，需要及时矫正。

芭蕾舞教学之下叉注意事项：

下叉和把杆上压腿的原则没什么两样。但是压叉的软度提升效果远好于把杆压腿!!

芭蕾舞教学之竖叉：

注意后面的腿要伸直、外开!前腿要伸直绷脚背!肚皮贴前腿，抻直腰向后弯。如果有人帮你踩髋关节，那么后腿的功夫会迅速大幅增长!

芭蕾舞教学之横叉：

先压青蛙!震颤着压大胯小胯，耗一会，再震颤着压一会，然后开始伸直腿压腿。和前腿不多，肚皮往地面靠!此时韧带实在是让我们疼痛难忍啊，那就在能忍受的限度上耗上一分钟。然后再震颤着压压，共计五分钟吧。。。横跨最难压了，因为韧带又粗又韧数量还多!好好下功夫吧!

芭蕾舞教学之踢腿：

三分压七分踢!伸直主力腿动力腿(这个直可真难做到，但又是非常重要的)，绷直脚背，脚背带着上踢(踢不高也没事，范儿一定要对!)。要快速上踢，在点控一下，然后相对慢速回落。踢旁腿时注意往肩后踢。踢几下之后，再稍微放松一下对自己的要求，把腿尽量踢高，但注意不要弓背。

芭蕾舞的发展

“芭蕾”起源于意大利，兴盛于法国，“芭蕾”一词本是“法语”ballet的英译，意为“跳”或“跳舞”。芭蕾最初是欧洲的一种群众自娱或广场表演的舞蹈，在发展过程中形成了严格的规范和解构形式、其主要特征是女演员要穿上特制的足尖鞋立起脚尖起舞。作为一门综合性的舞台艺术，芭蕾17世纪在法国宫廷形成。

芭蕾舞早在五百年前文艺复兴时期，意大利的贵族们在宫廷内观赏一种叫做“芭莉”或“芭莱蒂”的华美舞蹈，即是后来芭蕾舞的.雏型。

这种舞蹈传人法国，成为芭蕾舞发展的个高峰。法由国王带头跳舞，并创办不所舞蹈学院——皇家芭蕾舞学院，确立了芭蕾舞蹈动作的基本规范。

随着的发展，芭蕾舞逐渐从宫廷娱乐性舞蹈变成有情节的芭蕾舞步入剧场，演出了带有生活内容的舞剧。

十九世纪，浪漫主义思潮亦对芭蕾艺术产生深刻影响。芭蕾舞从内容到形式都发生了根本性变化。反映民间神话传说、仙女花神、精灵怪等故事成了芭蕾创作的主要题材。女演员成为主角，服装改成了短裙，脚尖舞成为芭蕾的基本要素。这种足尖站立的技艺，把舞蹈者的身体向上提升，适合表现轻盈的体态以及表达追求与渴望的情绪。

芭蕾舞是用音乐﹑舞蹈和哑剧手法来表演戏剧情节。女演员舞蹈时常用脚趾尖点地。意指：

① 一种舞台舞蹈形式，即欧洲古典舞蹈，通称芭蕾舞。这是在欧洲各地民间舞蹈的基础上，经过几个世纪不断加工、丰富、发展而形成的，具有严格规范和结构形式的欧洲传统舞蹈艺术。19世纪以后，技术上的一个重要特征是女演员要穿特制的脚尖舞鞋用脚趾尖端跳舞，所以也有人称之为脚尖舞。

② 舞剧，最初专指以欧洲古典舞蹈为主要表现手段，综合音乐、哑剧、舞台美术、文学于一体，用以表现一个故事或一段情节的戏剧艺术，称古典芭蕾(或古典舞剧)。20世纪出现了现代舞以后，以现代舞结合古典舞蹈技术为主要表现手段来表现故事内容或情节的称现代芭蕾。逐渐地，芭蕾一词也用来泛指用其他各种舞蹈为主要表现手段的舞剧作品，尽管在舞蹈风格、结构特征、表现手法等方面均不同于古典芭蕾或现代芭蕾。

③ 在现代编导创作的舞蹈作品中，有相当一部分没有故事内容，也没有情节，编导运用欧洲古典舞蹈或现代舞蹈，或使两者相结合，用以表现某种情绪、意境，或表现作者对某个音乐作品的理解等等，这些也称为芭蕾。

舞蹈基本功教学：初学芭蕾如何防受伤

内容：地面素质训练(压腿、踢腿、下腰等等)、把上练习(把杆练习)、把下练习(也叫“脱把训练”或“地面练习”)

芭蕾舞技的提高是一个缓慢渐进的过程，再“望子成龙”、“望女成凤”，都不能太急于求成。现在的家长对孩子期望值很高，但必须遵守循序渐进的原则，欲速则不达，尤其是像芭蕾舞这样要靠下肢承载身体的艺术，初学儿童每天练习不要超过半个小时。

业余芭蕾什么年龄都不晚，学到什么程度就要看你的天资怎么样了。还有奉劝一句，足尖鞋不要随便立，没经过训练会崴到脚的，而且一旦伤到脚很可能再也不能穿足尖鞋了，到时候很麻烦。一般小朋友学习到3级（芭蕾舞学校考级教程）可以穿足尖鞋，大概厂要三年时间。

李博士强调，特别需要注意的是，跳芭蕾之前一定要进行热身运动，跳完后若身体很痛或疼痛集中于一点，或疼痛持续24小时以上，就要找医生查看是否受伤。

跳舞如何防受伤?

2.舞鞋一定要专业，软硬度合适，穿太旧、太破的鞋子跳舞易伤脚。

3.初学时每天练习15分钟，课程进度不要太快，要逐步增加到每天30分钟。练习过程中，要适时休息，以免伤及足弓、腿部肌肉和肌腱。

4.柔软度训练要适度，让孩子承受合适的力量，训练不能过速，以免拉伤肌肉和肌腱。

5.严格遵守老师的教导，孩子无论年龄大小，学习时间长短，练习中都要有正确的姿势。

6.跳舞时如果膝盖和踝关节出现疼痛，先用冰块冷敷10分钟，疼痛消除03可回家，否则应去就医。

芭蕾舞教程：芭蕾舞的利与弊

1661年，法国国王十四下令在巴黎创办了世界所皇家舞蹈学校，确立了芭蕾的五个基本脚位和七个手位，是芭蕾动作有了一套完整的动作和体系。这五个基本脚位一直沿用至今。

很少有一种运动像芭蕾这样，紧紧的与“优雅”、“气质”这类词语连在一起。也许你从小就向往着有一双芭蕾舞鞋，幻想自己能在舞台上踮着脚尖不停旋转，也许你还对当年报考舞蹈学校时因为身材不够完美没有被老师选中耿耿于怀，也许你至今仍然喜爱着《天鹅湖》《胡桃夹子》……其实梦想实现很简单，现在，流行于各大健身房的形体芭蕾课，会让你觉得芭蕾离我们普通人并不遥远。从健身的角度来练芭蕾，不仅可以圆你儿时的舞蹈梦，还能塑造你的体型，并能练就你的公主气质，何乐而不为

塑造完美体形：

1、端正肩膀

练二位手：手保持椭圆型，抬到横隔膜的高度。在动作过程中，要注意保持胳膊肘和手指这两个支撑点的稳定。习芭蕾形体，要求颈部保持上挺，肩膀自然下垂。这样的姿势有助于锻炼颈椎，减少肩颈部疾病。

练芭蕾舞 蹈基本功4、 起腿要轻2、校正驼背

对于经常在电脑前工作的上班族，有助于增强背部肌肉力量，调整脊椎的姿势、角度，医治脊椎方面病痛，使身材更加挺拔。中年人练习，有助于减少背部脂肪，预防背部臃肿现象，增强背部肌肉力量。

形体训练中，挺胸收腹的姿势使腹部肌肉经常保持紧绷状态，脂肪层变薄，肌肉更有弹性。收腹这个动作还能使人看上去更加挺拔。

臀部紧绷或者是提臀的动作，有助于锻炼肌肉弹性，将臀线上提，保持秀美线条。

5、骨盆上提

普通人的骨盆是向前倾斜的。长期练习芭蕾形体，从视觉上可以将骨盆上提，与大腿在同一垂直线上，从视觉上拉长腿部线条。

6、大腿修长

长期练习可以形成条状肌肉，增强优美的肌肉线条，使大腿看上去更加修长。

7、小腿纤细

使小腿更加纤细、修长，也更加有力。

练习芭蕾形体，有助于锻炼肌肉弹性、减缓肌肉衰老、增加控制能力和身体协调性。在运动过程中养成最正确的身体姿势。

芭蕾有几大教学体系

一般来说，四岁到五岁是的 因为人在四五岁的时候柔韧度是最容易拉开的 芭蕾舞相对于其他的舞福门类更加要求柔韧度和平衡的，四五岁开始学习不仅利于柔韧性的拉开 更有利于小脑的发育，

芭蕾教学体系有意大利学派 、法兰西学派、学派、 丹麦学派、英国学派和美国学派。

这六大学派都有共同的审美特征及外形特征，不过 ，它们又有各自不同的文化背景、教育思想、风格特点和训练细节，如在风格上意大利学派简劲，法兰西学1. 教师完整，并且边，边讲解动作的要求。 2. 训练学生 ①提问个别学生动作要求派妩媚 ，学派豪放，丹麦学派轻盈，英国学派细腻，美国学派现代。对芭蕾影响最深的是学派。

芭蕾舞的特点：

舞蹈者穿的都是专门设计的服装，对于他们而言，练功服绝不仅仅是为了漂亮，它们中每一件都非常实用。最基本的要求，是要具有保护，塑身的作用。

紧身裙衣和紧身白色是舞蹈者在练功室最常用的基本练习服，而穿紧身的舞蹈服是为了保护体型，一般的芭蕾舞练习服是连体的。棉和莱卡的结合会同时保有穿着的舒适和足够的弹力。

发式也是舞蹈服饰的一芭蕾舞教学之压腿注意事项：部分。跳芭蕾的女士们喜欢把头发在脑后挽成一个髻原因是马尾及其它发型会影响到练习和演出，而且不盘起来会变成一种负担。

儿童舞蹈教学-芭蕾手位

找师生比例为一对一或一对二的机构学习，如果学生太多，老师可能照顾不过来，不能一一为学员纠错。

学习手的位置之前必须学好手的形态：大拇指尖要轻轻地碰到中指的指根处，其它的手指稍弯一些挨在一起放好。这种形态只是在初学时才要求这样做。因为那时学生还不能有意识地支配，控制自己的动作，因而手指容易紧张。以后，手的形态变得比较自然，大拇指不必碰中指，而是朝向手心既可。下面介绍芭蕾舞中的七个手位。

对发展下肢及躯干的力量、柔韧、灵巧、协调，增强对身体重心的控制、提高平衡能力都非常有效，同时使起到身体的姿态规范化的作用。包括基本手位和基本站位及半蹲、全蹲。

01

一位手：手自然下垂，胳膊肘和手腕处稍圆一些。手臂与手成椭圆形，放在身体的前面，手的中指相对，并留有一拳的距离。

02

三位手：在二位手的基础上继续上抬，放在额头的前上方，不要过分的向后摆，三位手就象是把头放在椭圆形的框子里。

04我国的芭蕾专门学校一般招收9～11岁的孩子入学，要求他们身体匀称、细长、头小、颈长，软度好，外开性好，脚面高，四肢长，腿形漂亮，臀部小，外貌可爱，漂亮等等。甚至要了解他们的父母身材高矮、胖瘦来作为预测学生今后成长的参考。即使每年在全国范围内的招生也很难找到20个理想的苗子。

四位手：在三位手的基础上左手不动，右手切回到二位，组成四位。

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六位手：在五位手的基础上右手不动，左手从三位手切回到二位，组成六位，形成舞姿。

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少儿芭蕾舞蹈：芭蕾手位教案

芭蕾的技术、技巧包括旋转技术、跳跃技术、脚尖技术、控制技术、双人舞托举技术等。一个出色的芭蕾舞蹈家要全面掌握这些技术，同时还须具备很高的艺术素质，如音乐感、舞蹈感、表演感，不能只顾技术而忘了艺术，也不能强调艺术而没有技术，在完成高难度技巧时还不能留有紧张的痕迹，这实在是很难很难的。我们在欣赏芭蕾舞时也可以注意到演员完成技术、技巧的熟练程度和水平，并依此来评价他们技术和艺术素质的高低。很显然，如果演员做动作失误多，那么他的技术水平不过硬，或者演员动作完成得很好，但跳得很木，又不会表演，那么他的艺术素质就比较，缺乏艺术细胞。这些问题一般观众在欣赏中是比较容易发现并做出正确的判断的。

1.

② 吊腰：准备时腿与肩同宽，双手抱肚子，后背立直，吊腰时膝盖要直，肚子往前顶，下头，腰要顶起来。 节奏:共做3次，每次耗10秒。

（1） 复习古典舞，熟悉动作，并且掌握基本要领，从而提高身

体的协调性

（2） 通过本课芭蕾手位的学习，使学生对芭蕾中的手位有基础

的了解，并有50%以上的人准确的掌握手位位置。

教学重点：芭蕾手位的3位和7位 教学过程：

1. 软开度训练——腰 （跪下腰，吊腰）10分钟

① 跪吊腰：准备时腿与肩同宽，双手抱肚子，后背立直，吊腰时肚子往前顶，下头，腰要顶起来。 节奏:共做3次，每次耗10秒

2. 复习古典舞手位组合 10分钟

共分3组，每组动作中包含古典舞蹈基本手位，还有集体的变换队形。

音乐和舞蹈一共时长1分30秒，分3组分别完成。 3. 学习芭蕾手位组合

“芭蕾”起源于意大利，兴盛于法国，“芭蕾”一词本因是“法语”ballet的英译，意为“跳”或“跳舞”。芭蕾注重“开绷直立”，以下的学习是芭蕾中最基本的7个手位。 练习内容一：

二位手—保持一位手的形态，两条手臂平平地向上端起，手心对着胸口约第三个纽扣处，使肩到手指有一个下坡度，双肩仍保持一位时的弧度，有一种合抱大树的感觉。

练习内容三：

三位手—保持二位手的形态，双臂同时向头顶鼻子的上方抬起，手心朝头芭蕾，欧洲古典舞蹈，由法语ballet音译而来。芭蕾舞孕育于意大利文艺复兴时期，十七世纪后半叶开始在法国发展流行并逐渐职业化，在不断革新中风靡世界。芭蕾舞最重要的一个特征即女演员表演时以脚尖点地，故又称脚尖舞。顶，肘关节略向后用力掰开，双臂仍保持弧形。

练习内容四：

四位手—手臂三位手位置上，另一臂保持原有形态下降到二位手的位置。

五位手—停留在三位手的手臂仍保持不动，下降至二位手的手臂向外向旁扩张出去到正旁稍靠前，肘关节向上抬起，手心向另一侧的斜前，从肩到手指也略有一点坡度。

练习内容六：

七位手—原已打开的手臂仍保持不动，下降到二位的手臂向外向旁扩张出去到正旁，此时双臂都到了身旁，严防肘关节下坠，感觉上好象几个人在围抱一棵更大圆周的大树一样。 教法:

②集体做动作，老师逐个纠正，纠正后要求学生在正确的位置

上耗住，以便于加强学生对正确动作的认识和记忆。

以便于将强学生对音乐节奏的把握。

先教单一动作，然后进行复合型动作，配音乐练习组合。

儿童舞蹈教学-芭蕾手位

准。是指准确完成每个动作和舞姿的规格要求。比如芭蕾中手臂的移动是有严格规定的路线的。即使在做高难度的技巧时也要求演员的手臂严格按规定的路线走动，绝不能乱了方寸，乱动胡挥。又如芭蕾男演员经常做的空中转两圈的技巧，它要求演员从准确的五位起跳，完成空中720°转体后又要准确地落到五位上。这也就是我们常说的做动作要干净、准确。

手位是形成舞姿造型的基本要素。其位置形态的准确与否将反映出训练者和教师的基本功能力。具有舞蹈基本功的常识意义。

常识形成原4、提升臀线因

有舞蹈人士说，所有的舞姿动作都脱不了七个手位变化的影子。这话非常中肯，反映出规范的手位对舞蹈的重要性。

舞蹈手位的变化不仅仅是组成舞蹈动作的最基本要素，也是舞蹈者基本功(舞姿规范程度及感染力)的重要体现。因此在舞蹈训练中，手位被列为重要的基础练习。除此而外，手位对于儿童来讲，更是他们对舞蹈产生规范认识的步。如何使他们掌握规范的手位，亦是教师必须具备的重要常识之一。

手位中有一个动作往往被教师和一些业余舞蹈者所忽略，一般教材中也很少提及。这个动作就是“还原”。还原之所以被忽视，是因为它极易与“准备”相混淆。其实它的动作过程及结束后的定势与七个手位中的任何一个手位的训练难度完全一样，甚至更难掌握。

所以在学习或训练中更应引起儿童舞蹈教师的重视。在讲解手位前，我们必须明确，即手位的属性为芭你可以在网上视频中找自己喜欢的舞蹈~~蕾舞的基础规范，手形应以芭蕾舞的手形为准，不得随着想像改为舞的“兰花指”或其他。

芭蕾舞的基础知识

练习内容五：

芭蕾舞的基础知识

芭蕾形体训练的具体内容，包括地面形体训练、扶把形体训练、离把形体训练、跳跃练习和芭蕾舞步练习部分和芭蕾组合训练，注重了教材纵向的系统性、横向的相互协调性以及适宜的动作速度、组合的难易程度。

1.芭蕾是规范的艺术

世界上任何一门艺术都有它自己的规律。比如，你要简单地了解什么叫角球、越位、点球等才能大致看明白现代足球的比赛。看多了，爱看了，就会逐渐从外行变为内行，甚至变成一个真正的球迷了。

要学会欣赏芭蕾艺术，同样也要多少了解一些芭蕾基本知识，多看几场演出，或多听一些录音，多看一些录像，那样你也可能会成为芭蕾舞迷。那么芭蕾到底有哪些基本特征呢?这里我们可以把它们简单地归纳为开、绷、直、立、轻、准、稳、美八个字，这八个字可以说是每个芭蕾演员的基本功，是必须掌握的技巧，也是我们欣赏芭蕾外在和内涵美时必须明白和了解的要领。

开。是指腿的外开性，也就是要把腿从大腿根处向外转开到限度。这既是芭蕾的基本美没有基础学芭蕾要学多久学特征，也是人们从人体构造出发逐步研究出来的科学成果。人的腿向外转开后可以大大增加它的空间活动范围，能做出在正常情况下根本做不出来的许多动作。在正常情况下腿只能抬到90°，芭蕾中有五个脚的基本位置，它们都是以上开为前提的。 因此许多芭蕾演员“染上”了一种职业病，走路有点像卓别林，脚向外撇，呈大八字。

绷。是指要绷脚，使脚面能凸出来，以增加脚形的美和脚的表现力。同时绷脚的练习能增加脚腕关节的力量和灵活性。比如在跳跃动作中两只脚在离开地面时都要绷得非常直，非常尖，使整条腿的线条显得非常漂亮，非常流畅。这与体和跳水运动员的脚的要求是一样的.

直。是指主立的腿(支撑腿)和伸出的腿(动力腿)的膝盖要伸直。换句话说是把两条腿的肌肉拉长到的限度。以芭蕾最常见的舞姿——阿拉贝斯克为例右腿支撑腿)要尽量向外转开，膝盖伸直，左腿抬到后面90°，也要尽量向外转开，膝盖伸直，如图3。伸直膝盖主要是为了使芭蕾中的许多舞姿达到舒展、长线条、完美的视觉造型。这里所说的伸直，还可参阅第二、三、四阿拉贝斯克舞姿的插图，

立。是指身体要直立、挺拔，并把身体重心准确地放在两条腿或一条腿的重心上。要求演员收腹、展胸，不能撅臀部或驼背。演员身体形态或身体重心然后从网上刻下来~~~的不正确都会影响各种舞蹈动作和技巧的准确完成。

稳。是指动作要做得稳健扎卖。比如芭蕾中有许多旋转动作要求演员在旋转时保持好稳定性，结束旋转时也要稳稳地停在一个舞姿上。如果演员转动时东倒西歪，停的时候也没有停稳，那这个旋转动作不但不是美的，而且是失败的。又如女演员需要经常在单腿脚夹舞姿上停一会儿，那么如果她还没有停稳就掉下来，也会破坏观众美好的印象。

学生进校后要经过年的严格训练才能初步成才。其中秀的再继续上2～4年的大专或本科课程才能成为独舞演员。在这10年中他们不知要流多少汗水和眼泪，甚至付出血的代价(练脚尖时经常要磨破而出血)，穿破多少双练功鞋，几千次、几万次地重复做同样的基本动作才能展翅飞翔，把芭蕾的美奉献给广大观众。因此芭蕾艺术是繁重的体力劳动与高度脑力劳动的结晶。

2.芭蕾是长于抒情拙于叙事的艺术

任何事物，包括艺术都有它的长处和短处。芭蕾(包括其他舞蹈)是最能表现情感、善于抒情的，但它又是最不能直接表现某种思想或者直接叙述一个故事的艺术。比如我们无法用舞蹈直接说出“我热爱自己的祖国”这一极简单的思想，而只能通过舞蹈把对故乡土地的眷恋，对祖国山山水水、一草一木的深情间接地表达出来。这也许是人们在欣赏它时会感到有些吃力的`原因。我们每个人在欣赏芭蕾时就如同听音乐、看戏剧、读文学作品那样，也都可以来参与它的创作过程。一个芭蕾作品首先要由编导进行创作，即经过一度创作。舞蹈演员要通过排练和演出在实现编导意图的基础上进行二度创作。而当编导和演员把作品展现在观众面前时我们便进入三度创作阶段，即在接受从舞台上传递的信息的同时借助于自己的生活经验感受和想像力尽情地自由发挥。重要的在于参与，重要的在于你得到了一次艺术享受、美的熏陶和精神上的满足。我们用不着强求自己成为一个无所不知的芭蕾舞迷，不过我们也相信只要你能多看几次芭蕾舞就一定会迷上它，因为芭蕾是最美、最崇高、最富有魅力、最能让你心旷神怡的艺术!

3.芭蕾是一门多媒体和综合性的艺术

芭蕾艺术是集舞蹈、音乐、文学、戏剧、美术等于一身的综合性艺术。这在很大程度上能帮助我们欣赏和理解它。许多芭蕾舞剧是根据文学名著或神话故事、传说改编的，而这些文学名著或故事大家也都比较熟悉。因此观众较容易看懂这些舞剧的戏剧情节。即使是自己不甚熟悉的舞剧，演出之前在剧场一般都可以买到节目单或说明书，我们只需花三五分钟看看说明书也就可以大致了解舞剧的内容。

另外，舞剧的布景和灯光也可以帮助我们了解剧情发生的环境和时间。比如，剧情是发生在茂密的森林中还是在美丽的花轩里，是在舒适的家中还是在硝烟弥漫的战场上，是在清晨还是在深夜，是现代还是古代等等。演员的服装和化妆也能提示我们人物形象是人还是外国人，是王子还是农民，是黛玉还是鸣凤等等。而舞剧音乐中各种人物的主题旋律和情绪变化，更是能为我们提供丰富的感性材料，启示我们更深刻地理解剧情的发展、人物的情绪起伏变化和他们之间的关系。《天鹅湖》中的王子有他自己的音乐主题旋律，白天鹅奥杰塔也有她自己的音乐主题旋律。当我们听到这些旋律时就会知道他们即将出场。而这些主题旋律时而温柔抒情，时而焦急不安，时而高亢悲壮。通过这些变化我们就能捕捉住主人翁内心情绪的变化，把握住戏剧情节的脉络。又如《天鹅湖》第四幕中有一场叫《风暴》。作曲家通过急速起伏的音乐创造出风暴的氛围，舞台上的布景和灯光更增添了这种危急的气氛，有如我们置身于天鹅湖畔的暴风雨之中与王子和奥杰塔一起经受一场严峻的考验。这样通过视觉和听觉的各种感受，我们便能更加深刻地理解和体会这一悲剧性的场面。

正因为芭蕾是一门多媒体的、综合性的艺术，所以，从某种程度来说它与音乐、美术相比就更容易理解和欣赏。因此，我们的青年朋友大可不必把芭蕾视为一种高深莫测、神秘飘渺的艺术望而却步。

4.芭蕾是技术性很强的艺术

任何艺术都有它自己的技术、技巧，然而芭蕾的技术、技巧被世人公认为难度，也是最难练的。比如芭蕾女主角经常要完成的原地

32个挥鞭转。她在单腿脚尖上要连续转32圈，另一条腿要连续做32次挥鞭似的动作。在转的过程中脚尖着地面积只比5分的硬稍大一点，而且一点也不能移动地方，还要做得很规格，很美。这个技巧的难度之大可想而知了。

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练芭蕾舞蹈基本功

3、Glissade：滑行。舞者从一个脚关节开始，另一个脚关节先追上，然后跳到空中，落地。

练芭蕾舞蹈基本功

轻。是指跳舞要轻盈、自如。比如在做跳跃动作时，推地和落地不要听到什么声音。同时舞起来要轻松自如，即使演员很用力、很累，也尽量不要让观众看到和感觉到。

芭蕾舞是用音乐、舞蹈手法来表演戏剧情节。下面是我整理的一些关于练芭蕾舞蹈基本功的资料，供你参考。

练芭蕾舞 2、二位手蹈基本功1、地面素质训练

地面素质训练包括坐在地上做勾脚背、盘脚压胯、仰卧吸腿、侧卧旁吸腿、俯卧后吸腿、腰部训练、仰卧前大踢腿等动作。这些动作可以打开肩部和胯部关节韧带，加强腰的柔韧性，增强腿部和后背肌群的弹性和力量(解析：压腿、踢腿、下腰主要是“开软度”的项目，是学员软度练习的必要手段。

练芭蕾舞 蹈基本功2、把上练习

把上练习(也叫“扶把训练”或“把杆练习”)是指训练的时候扶着固定的物体进行的训练。包括擦地练习、蹲步练习及压腿练习等等。

练芭蕾舞 蹈基本功3、把下练习

把下练习(也叫“脱把练习”或“地面训练”)难度较大，动作分为手位与脚位的训练，如手臂波浪形的舞动、脚做划圆等动作，还有步伐和足尖的训练。其中，步伐训练包括轻柔步训练、跳跃步训练、碎步训练等等。与前面的训练相比，增加的练习有跳跃练习。小跳还可以分为一位小跳、二位小跳、五位小跳。中跳是随后的训练，主要以原地跳为主，分为一位中跳、二位中跳、单起双落方法和双起单落方法。就是大跳了。

注意：在练习大踢腿时需要注意哪些问题?

腿将要踢起时，要迅速地将身体重心移到另一腿上，使将要踢起的腿部肌肉放松，这样才会起腿轻，踢腿快如风。为防止摔倒，也可背靠墙或肋木练习。

练芭蕾舞 蹈基本功5、踢时要快

腿由下至上，应快速向面部摆动，这里有一个加速的过程。踢时髋部要后坐，腿上摆有寸劲。刚刚练习踢腿时，必须始终保持动作的规范性，宁可踢得刚过胸，也不把支撑腿的腿跟抬起或膝部弯曲，或是弯腰凸背用头去迎碰脚尖，这些均说明腿的柔韧性训练不到位，韧带还没有拉开。只要坚持压踢结合，常练不辍，定会达到脚碰前额的。

初练者，往往踢起腿刚落地，就踢另一腿，从而出现出腿笨重、身体歪斜的现象。这是因为踢出的腿刚落地时，身体的重心还在原支撑腿上，腿下落时转移重心，势必出现上述现象。正确的做法是等腿落实后，身体重心转换已毕再踢出另一腿。其实这样练习也有利于实战中连环腿法的应用。

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芭蕾舞教程：芭蕾对体育舞蹈的帮助

1.3 动作感觉与音乐基调

目前我国体育舞蹈运动与世界先进水平相比距在完成动作过程中，过分地强调纯技术环节而缺乏艺术内涵和音乐个性化表现特征的韵律感。芭蕾完整的乐感教学训练方法对体育舞蹈表现意识的提高及音乐表现能力的培养有积极作用。针对我国体育舞蹈教学训练中存在的问题，本文就如何借鉴、应用芭蕾舞蹈艺术理论和科学训练方法，完善我国体育舞蹈教学训练手段、提高我国体育舞蹈运动技术水平等问题进行了分析研究。

体育舞蹈运动项目已是奥委会大家庭中的一员，即将会成为奥运会比赛项目，对此我们必须要有一些前瞻性的战略措施。世界竞技体育舞蹈运动近年来以意大利和英国为先驱逐渐在向“快、新、美”方向发展的同时又为体育舞蹈注入了更深刻的艺术含义。这就对身体运动技能和艺术表现力提出了更高的要求。单纯注重技能而忽视艺术表现力是我国体育舞蹈教学与训练中存在的主要问题。长期以来，我国体育舞蹈教学训练的着眼点多考虑纯技术动作本身的训练，并把重点放在高难度动作反复的学习上，很少把完善教学训练方法，培养运动员舞蹈意识及艺术表现力的问题提到平时教学训练日程上来。原因：一是体育舞蹈在我国是一项新兴的体育运动项目，至今还未形成完整的教学训练体系。二是多数的教师、教练员都是半路出家，没有经过系统的专业学习，在教学和训练中只是根据自己对体育舞蹈的一知半解和有限的学习、比赛经验施教。

因此，在教学训练中难免存在这样或那样的问题。而芭蕾舞蹈艺术经几百年的发展，博采众家之长，集成俄、法、英、美和意大利等欧洲舞蹈学派之艺术精华，早已形成自己完整而科学的训练体系。特别是在身体各部位的正确感觉以及舞蹈表现意识的科学训练方法上，具有独到之处。站在这个“艺术巨人”的肩膀上，研究、借鉴其科学的教学训练理论方法，吸收其优点，对完善我国体育舞蹈运动教学训练手段，缩小我国体育舞蹈运动与世界先进水平的距，建立起我国体育舞蹈学科教学训练理论支撑体系有着重大意义。

音乐是有声无形的，而舞蹈却是有形无声的，芭蕾艺术之所以能达到如此高的艺术境界，就在于它能将二者完美的融通为一体形成一种形声并茂的表现形式。诚然，这也是体育舞蹈所追求的艺术境界，所以乐感的培养是一个不可忽视的重要环节，乐感是指对音乐的细腻感受和理解。芭蕾是通过提高音乐修养来培养演员对音乐的感受能力，在整个教学过程的每节课、每一项作业，甚至最简单的动作都要求必须建立在深刻理解音乐的基础上。目前我国体育舞蹈教学还很难达到这个水准，主要原因是大多数教师都不是艺术类科班出生，艺术素养不够全面，尤其是音乐素养极为贫乏，甚至对舞蹈音乐节奏、节拍、时值、节奏类型、乐句、乐段这样最基本的音乐常识都认识不够，也就谈不上舞蹈动作与音乐的形声合一。特别是在基础舞步学习阶段，大多教师都对音乐艺术教学环节重视不够，导致学生在学习过程中就很难把握不同动作的正确用力以及动作与音乐之间的变换匹配关系。因此芭蕾在学生乐感培养方面的经验更值得我们学习、借鉴。其主要包括以下三个相互联系的部分。

1.1 舞蹈动作与音乐节奏

芭蕾乐感训练注重正确地将舞蹈动作与音乐节奏协调能力的培养。每一个组合或舞段的编排都要严格遵循舞曲音乐节奏规律，这在很大程度上决定了表演的力度和性格，如对音乐节奏稍有破坏就会损坏艺术的准确性。其实音乐是与体育舞蹈本身的节奏相适应的，因为动作形象的内涵是要与音乐所表现的生命旋律交融在一起的，也只有当运动员与音乐融为一体时，才能表现出完美的艺术效果。在前几年的各级比赛中我们可以普遍看到，大部分选手在表现舞蹈动作力度时完全脱离了音乐性，将舞蹈跳成了“武蹈”。

尤其在青少年中这个问题尤为突出，这与教师的教学有着直接关系。近两年这种情况有所改变，但对这一问题的认识仍然停留在一味简单模仿阶段，还是没有上升到理论认识层面。音乐是舞蹈的灵魂，一个成功的舞者和的教师必须细致的处理好每一个舞步的音乐节拍时值以及音乐的表现意图。如果说舞蹈艺术是一种形象思维的过程，那么我们就可以想象——我们的身体就是一个乐团，而每一块肌肉都是一种乐器，在完成舞蹈动作时如果我们能以灵活蠕动的肌肉富有气息感的演绎和外化出音乐中所内涵的情感世界，那么情况就会大不一样。例如在伦巴舞中，我们可以通过身体重心及臀部给地板的挤压动作，以背部交织蠕动的肌肉来演绎和外化出伦巴音乐中所蕴含的那种藕断丝连、如胶似漆，发自灵魂深处如同岩浆一般炽热的情感。

一位手—在基本站立要求的基础上，双手在身前下垂，手臂略呈弧形，两臂合成一个圆形，肘关节略用力前顶，手心朝上，两手手指相距一拳，手掌与身体也相距一拳。 练习内容二：1.2 肢体动作与音乐画面

芭蕾乐感训练强调有意识的用艺术化的肢体动作再现音乐画面能力的培养。要学生善于满怀创作地去领会音乐主题旋律。对音乐主题和情绪上的感知必能引起一种冲动和渴望——在训练中不仅做到技术上的完美，而且能创造性地展现音乐主题旋律的内涵。做到在离开训练场的时，不仅要清楚地记住技术动作，而且还要记住音乐节奏韵律，因为没有就没有创造性的艺术，这种韵律感知能力会使我们产生强烈的内在，同时还可以促进舞蹈整体动作技巧的掌握和提高。

解决这一问题，首先教师必须提高自身的音乐素养，在教学过程中有意识的让学生多听听（解析：压腿、踢腿、下腰主要是“开软度”的项目，是学员软度练习的必要手段。而“开软度”，就是趁学员韧带和腰部在发育前的柔软期把韧带和腰部的关节的发育走向按照艺术要求发展，从而达到舞者的要求。各种不同旋律的音乐，对所选音乐主题先有一个性的大致分析，然后再让学生去反复的练习体会，不断在实践中增强学生的音乐理解能力和再现音乐画面的能力。